O Blues não é apenas um gênero musical. É uma forma de organizar sentimentos, tempo e memória a partir da voz. Antes de qualquer estrutura harmônica, antes da canção como produto, existe o canto, o gesto sonoro, o murmúrio, a repetição insistente de um estado emocional que não se resolve. É a partir desse território — entre fala, música e experiência humana — que o Blues se constitui.  Ao longo deste texto, o Blues é observado desde suas origens vocais e corporais, passando pela letra, pela relação entre canto e instrumento, pelas microafinações, pelas blue notes e pela forma cíclica que suspende o tempo. A história atravessa o trabalho, a segregação racial, o acesso a instrumentos como violão e gaita, a chegada da gravação, o impacto da tecnologia e o confronto com a indústria cultural, sem perder de vista aquilo que permanece: a centralidade da voz e do sentimento. Mais do que uma análise musical, o que se desenha aqui é uma leitura cultural do Blues como linguagem viva — uma música que não avança para um desfecho, não fecha narrativas e não promete superação. O Blues insiste. E é nessa insistência, entre canto, repetição e tensão, que ele revela sua força expressiva e sua diferença radical em relação a outras formas de canção.

PARTE I: O CORPO E O SOPRO

INTRODUÇÃO

O Grito que Atravessa o Século

O Blues não nasceu para ser música de entretenimento. Ele não surgiu do desejo de preencher o silêncio de uma sala de estar ou de figurar em paradas de sucesso. Se recuarmos no tempo, até as margens lamacentas do Delta do Mississippi ou os campos de algodão sob um sol implacável, perceberemos que o Blues nasceu de uma necessidade biológica: o gesto de sobrevivência.

Imagine um indivíduo cuja humanidade lhe foi negada pelo sistema, cuja voz é a única propriedade que lhe resta. Nesse cenário, o som deixa de ser uma sucessão de notas organizadas e passa a ser o que chamamos de "arquitetura do grito". É o corpo humano utilizando o ar e as cordas vocais para projetar para fora uma dor que, se ficasse guardada, implodiria o sujeito.

Para o estudante de música, entender o Blues é, antes de tudo, um exercício de desaprendizado. Vivemos em uma era de perfeição digital, onde softwares corrigem a afinação e o tempo de forma milimétrica. O Blues, no entanto, opera na lógica do atrito. Ele é a voz que se recusa a ser domada pela partitura. Ele é o testemunho da transição: do campo para a cidade, do lamento coletivo para a narrativa individual de quem vaga pelas ferrovias em busca de um lugar no mundo.

Nesta jornada que iniciamos, não olharemos para o Blues como uma peça de museu. Vamos encará-lo como uma linguagem viva, uma tecnologia emocional que utiliza a instabilidade sonora para comunicar verdades universais. Prepare-se para entender que a "nota errada" pode ser, na verdade, a única nota honesta possível.

 

 

A Matéria-Prima: Altura, Timbre e a Anatomia do Som

Para construir um edifício, o arquiteto precisa conhecer a resistência do concreto e a flexibilidade do aço. Para construir o "grito" do Blues, o cantor precisa dominar a matéria-prima do som. No conservatório, aprendemos as definições físicas; aqui, vamos traduzi-las para a gramática do sentimento.

Todo som se sustenta em quatro pilares fundamentais: a altura, o timbre, a duração e o volume. No Blues, esses parâmetros são esticados e torcidos até o limite.

1. A Altura: A Ditadura da Tecla e a Liberdade da Voz

Na música ocidental clássica, a altura (a frequência que define se um som é grave ou agudo) é geralmente tratada como um ponto fixo. Uma nota "Dó" deve ser um "Dó" preciso. Mas, se você observar atentamente um grande bluesman, notará que ele raramente aterrissa na nota de forma estática.

A altura no Blues é uma zona de trânsito. O cantor habita as frestas entre as notas. Ele "escorrega" de uma frequência para outra, desafiando a rigidez das doze notas do piano. Essa flexibilidade não é falta de técnica; é a busca por uma frequência que a matemática não alcança. Quando um cantor ataca uma nota um pouco abaixo do esperado e a "empurra" para cima lentamente, ele está criando uma tensão física no ouvinte, simulando o esforço humano de superar um fardo.

2. O Timbre: A Impressão Digital do Sofrimento

Se a altura é a nota que você canta, o timbre é a "cor" da sua voz. Enquanto o canto lírico busca a pureza cristalina e a ressonância uniforme, o Blues valoriza a identidade sonora bruta.

O timbre no Blues funciona como uma impressão digital. Ele carrega as marcas da vida do intérprete. Aqui, a aspereza, a rouquidão e a nasalidade não são defeitos, mas ferramentas dramáticas. Uma voz "suja" comunica urgência. Uma tensão proposital na laringe pode evocar a sensação de um sufocamento contido. O timbre é o que faz com que reconheçamos B.B. King ou Janis Joplin em apenas um segundo: não é a melodia, é a "textura" do grito deles. É a carne exposta na voz.

3. Duração e Volume: A Elasticidade do Tempo e do Espaço

A duração e o volume são os reguladores da intensidade. No Blues, a duração é elástica. O intérprete manipula o tempo de sustentação para enfatizar o drama: uma vogal pode ser esticada em um lamento que parece não ter fim, ou pode ser cortada subitamente, como um espasmo de dor ou um soluço interrompido.

Já o volume (a dinâmica) não se resume a cantar "alto ou baixo". É sobre o contraste. O Blues caminha entre o sussurro mais íntimo — aquele que você só compartilha com o travesseiro — e o brado que precisa ser ouvido do outro lado da plantação. Esse controle dinâmico permite que o cantor guie o ouvinte por vales de vulnerabilidade e picos de exaustão emocional.

Entender esses quatro pilares é o primeiro passo para o estudante de música. Sem essa base, os ornamentos que veremos a seguir seriam apenas enfeites vazios. No Blues, a técnica serve à anatomia do som, e o som serve à necessidade de dizer: "eu estou aqui, e isto é o que eu sinto".

 

CAPÍTULO 2

A Estética da Imperfeição: Ornamentos e a Inflexão da Alma

Para o estudante de música clássica ou para o cantor de rádio treinado na precisão, a palavra "ornamento" costuma sugerir um enfeite, algo que se coloca sobre a melodia para torná-la mais bonita. No Blues, essa lógica é invertida. O ornamento não é um adorno; é a própria substância da mensagem. É o ponto exato onde a música deixa de ser uma abstração técnica e passa a ser uma mímese do gesto humano.

Neste capítulo, vamos investigar como o vibrato, o bend e o glissando não servem para "embelezar" o som, mas para simular a nossa biologia: o choro, o soluço, o suspiro de alívio e o brado de revolta.

1. O Vibrato: O Tremor da Vulnerabilidade

Diferente do vibrato operístico — aquela oscilação constante, ampla e controlada que permeia toda a nota —, o vibrato no Blues é imprevisível. Ele raramente começa junto com a nota. Na maioria das vezes, o cantor ataca uma nota "reta", firme, e só permite que ela treme nos instantes finais.

É o que chamamos de vibrato tardio. Esse recurso técnico mimetiza a exaustão ou a quebra emocional. Pense em alguém que tenta conter o choro: a voz começa firme, mas termina tremendo. Para o estudante, dominar esse tremor errático é aprender a comunicar vulnerabilidade sem perder o controle da coluna de ar. É a técnica a serviço da verdade dramática.

2. O Bend e a Tensão do Desejo

O bend (a flexão da nota) é, talvez, o elemento mais icônico da linguagem do Blues. Ele consiste em atacar uma nota e "puxá-la" para cima ou para baixo, sem necessariamente chegar a uma nova nota definida.

Por que isso é tão impactante? Porque o bend cria uma tensão física. Ele simula o esforço de alcançar algo que está fora do alcance. Quando ouvimos uma nota sendo flexionada, nosso cérebro interpreta aquilo como uma "distorção" emocional. É o som da resistência. No Blues, não queremos apenas a nota "alvo"; queremos ouvir o caminho e o esforço para chegar até ela. É o processo, e não o resultado, que comove o ouvinte.

3. Glissandos, Scoops e Falls: O Borrão das Fronteiras

Se a música tradicional é feita de degraus (as notas), o Blues é feito de rampas. O glissando (o deslize entre notas) apaga as fronteiras do sistema tonal. Ele faz com que a melodia soe como uma conversa, onde as palavras se fundem umas às outras.

Acompanhando esse deslize, temos dois recursos fundamentais:

• O Scoop (Ataque por baixo): É quando o cantor ataca a nota um pouco abaixo da afinação real e a "iça" rapidamente para o lugar certo. É um gesto de busca, quase como um lamento que se eleva.

• O Fall (A queda): É o oposto. A nota termina "caindo" em direção ao silêncio. O fall mimetiza o suspiro de quem entregou os pontos ou o cansaço ao fim de uma frase.

4. A Biologia do Brado: Por que o Blues nos afeta?

Como bem aponta a pesquisa de Charles Darwin e estudiosos da comunicação não-verbal, certos sons despertam em nós reações ancestrais. O choro de um bebê ou um grito de socorro não precisam de afinação para serem compreendidos; eles utilizam oscilações de timbre e intensidade que vão direto ao nosso sistema límbico.

O Blues resgata essa biologia do brado. Ao utilizar esses ornamentos, o cantor não está apenas executando uma partitura; ele está ativando gatilhos emocionais que todos nós reconhecemos como humanos. O "erro" técnico — a nota que racha, o timbre que fica rouco, a afinação que flutua — é, na verdade, um sinal de honestidade. Em um mundo de plásticos e edições digitais, o Blues nos lembra que somos feitos de carne, osso e atrito.

 

CAPÍTULO 3

O Território das Blue Notes: A Geometria do "Entre-Lugar"

Para o estudante de música formado sob a égide do sistema ocidental, o piano é a representação máxima da ordem. Ali, entre o branco e o preto das teclas, tudo está no seu lugar: doze notas divididas de forma matemática e exata. É o chamado sistema temperado. Mas, para o Blues, o piano é uma prisão. O verdadeiro Blues acontece nas frestas, nos vãos, naquilo que o ouvido europeu muitas vezes classificou como "desafinação", mas que para a cultura afro-americana é a mais pura precisão emocional.

Neste capítulo, vamos desbravar o mistério das Blue Notes. Elas são o DNA do gênero, as notas que dão ao Blues aquele sabor agridoce, uma instabilidade que nos impede de ficar indiferentes.

1. A Resistência ao Sistema Temperado

Quando o Blues começou a ser documentado, os teóricos tiveram um problema: como escrever aquela música em uma partitura tradicional? A resposta é: não dá. As Blue Notes não são pontos fixos; elas são zonas de altura.

Enquanto a música clássica se baseia em degraus nítidos, o Blues opera em uma lógica microtonal. O cantor ou o guitarrista não procura apenas a "terça menor" ou a "quinta diminuta"; ele habita o espaço microscópico que existe entre as notas. É uma resistência cultural e estética: a voz se recusa a ser domesticada pela escala de doze tons. Ela reivindica o direito de flutuar.

2. A Terça: O Epicentro da Ambiguidade

O segredo mais profundo do Blues reside na terça. Na teoria musical, a terça é o que define se um acorde é maior (soando "feliz" ou "resolvido") ou menor (soando "triste" ou "melancólico").

O Blues subverte essa dicotomia. A Blue Note da terça é um movimento: o cantor ataca uma terça menor e a "empurra" sutilmente em direção à terça maior, mas — e aqui está o gênio da coisa — ele nunca chega lá totalmente. Ele estaciona no meio do caminho.

Esse "entre-lugar" cria uma tensão psicológica profunda. O som não é alegre, nem triste. É uma terceira emoção, algo que o idioma inglês define como blue — um estado de espírito que carrega a dor, mas também a resiliência para superá-la. É a sonoridade da incerteza.

3. A Quinta e a Sétima: O Atrito e a Travessia

Além da terça, temos outras duas zonas críticas:

• A Quinta Diminuta (ou Quarta Aumentada): Frequentemente chamada de "a nota do diabo" na Idade Média por sua dissonância extrema. No Blues, ela é a nota da passagem, do atrito. É aquela nota que parece "arranhar" a harmonia, criando uma urgência que pede resolução, mas que nos mantém suspensos no ar.

• A Sétima Menor: No Blues, a sétima não é apenas uma nota de passagem para voltar à tônica. Ela é um lugar de repouso. Isso quebra a lógica da música clássica, onde a sétima precisa "resolver". No Blues, a tensão é o estado natural das coisas.

4. O Ouvido vs. O Papel

Para o estudante, o aprendizado das Blue Notes é um exercício de escuta e de corpo. Não se aprende a Blue Note lendo um manual; aprende-se sentindo a pressão do ar ou a tensão da corda da guitarra.

Citar teorias aqui é pertinente para entendermos que o Blues não é "música intuitiva" no sentido de ser feita sem pensamento. Há uma lógica rigorosa por trás dessa instabilidade. É uma escolha estética de valorizar o devir — o que está vindo a ser — em vez do que já está pronto e acabado.

Habitar a Blue Note é aceitar que a vida é feita de sombras e luzes simultâneas. É entender que a beleza mais pungente não está na nota que brilha sozinha e perfeita, mas naquela que luta para existir entre os intervalos do sistema.

 

CAPÍTULO 4

O Eco da Fábrica: O Blues na Era da Indústria Cultural

Até agora, tratamos o Blues como um gesto quase solitário — o homem, a voz e a dor. Mas o Blues que conhecemos hoje, aquele que influenciou do Rock ao Jazz, é filho de uma revolução tecnológica. No início do século XX, o som deixou de ser algo que acontecia apenas no "aqui e agora" para se tornar algo que poderia ser capturado, prensado em cera e vendido em uma loja.

Para o estudante de música e para o pensador da cultura, esse momento é crucial. Entramos no território da reprodutibilidade técnica, um conceito imortalizado pelo filósofo Walter Benjamin. Aqui, surge o grande paradoxo: como uma música tão fundamentada na presença e na improvisação consegue manter sua alma quando é transformada em mercadoria?

1. A Aura e o Desafio do Disco

Walter Benjamin definia a "aura" de uma obra de arte como a sua existência única no tempo e no espaço. Para ele, quando você tira uma foto de um quadro ou grava a voz de um cantor, a aura tende a se dissipar. A cópia em massa (o disco) mataria a "magia" do momento original.

No entanto, o Blues parece desafiar essa lógica. Quando ouvimos uma gravação de 1920 de Robert Johnson ou Bessie Smith, não sentimos que estamos diante de um objeto morto. A aura do Blues não reside na perfeição formal da gravação, mas na presença insistente do mesmo estado emocional. O Blues gravado mantém sua capacidade de não se resolver. Ele cria uma experiência de tempo suspenso, onde o lamento capturado há cem anos ainda soa como uma urgência presente.

2. Resistência à "Canção-Produto"

Neste ponto, precisamos evocar as críticas de Adorno e Horkheimer sobre a Indústria Cultural. Eles temiam que a música se tornasse um produto padronizado, feito sob medida para o consumo passivo — a "canção-fórmula" que não exige esforço do ouvinte.

O Blues, em sua essência, é o antônimo do produto apaziguado. Ele resiste à padronização porque mantém viva a ambiguidade. Enquanto a música pop industrial busca o refrão perfeito e a resolução alegre, o Blues insiste no atrito. Ele não fecha o ciclo da dor; ele convida o ouvinte a habitar a tensão. O Blues gravado não é um calmante; é um espelho que se recusa a ser polido.

3. O Microfone: A Tecnologia a Serviço da Vulnerabilidade

Muitas vezes pensamos que a tecnologia "esfria" a música. No Blues, aconteceu o oposto. A chegada do microfone e das técnicas de gravação permitiu que o cantor explorasse nuances que seriam impossíveis em um campo aberto ou em uma sala barulhenta sem amplificação.

O microfone permitiu a estética do sussurro, do estalar da garganta e da respiração curta. Graças à técnica, pudemos ouvir a vulnerabilidade em alta definição. A tecnologia não matou a alma do Blues; ela forneceu a lente de aumento necessária para que o "grito" pudesse ser ouvido mesmo quando era apenas um murmúrio.

4. O Testemunho da Presença Humana

Para o músico contemporâneo, a lição deste capítulo é profunda: a técnica não precisa ser o inimigo da alma. O Blues nos ensina que, mesmo transportado por bits e bytes ou sulcos de vinil, o som pode permanecer como o receptáculo de uma história vivida.

O Blues sobreviveu à fábrica e ao mercado porque não se deixou domesticar. Ele usou os meios de produção para espalhar seu vírus de honestidade emocional pelo mundo. Cada vez que você dá o play em um Blues clássico, você não está apenas ouvindo uma música; você está convocando uma presença humana que se recusa a morrer sob o peso da mercadoria.

 

CAPÍTULO 5

O Chão e a História: Materialismo e a Diáspora do Som

Muitas vezes, a história da música é contada como uma sucessão de gênios inspirados que, do nada, criaram obras-primas. No Blues, a realidade é muito mais telúrica. O Blues não caiu do céu; ele brotou da terra, de um solo encharcado de suor, injustiça e uma vontade férrea de existir.

Para o estudante de música, entender o contexto social não é um "extra" histórico, é uma necessidade técnica. O som do Blues é o som de uma condição material específica. Como nos ensinam historiadores como Eric Hobsbawm e críticos como José Ramos Tinhorão, a música é o espelho das transformações da sociedade.

1. Do Campo para a Cidade: A Transição do Sujeito

Eric Hobsbawm, em suas análises sobre a cultura popular, observa que o Blues marca uma transição fundamental: a passagem da vida rural coletiva para a vida urbana individual.

Antes do Blues, tínhamos as work songs (canções de trabalho) e os spirituals. Eram cantos coletivos, feitos para sincronizar o esforço físico na lavoura ou para elevar a alma em comunidade na igreja. O Blues, no entanto, é a canção do sujeito. Ele surge quando esse trabalhador sai do campo e se vê errante, caminhando pelas ferrovias ou tentando a sorte nas grandes cidades como Chicago e Detroit. O Blues é a primeira pessoa: "Eu acordei esta manhã...". É o relato da solidão e da busca por dignidade em um mundo que tenta desumanizar o indivíduo.

2. O Ritmo da Máquina e o Trilho do Trem

A história do Blues está profundamente ligada às ferrovias. O trem não era apenas um meio de transporte; era uma metáfora de liberdade e, ao mesmo tempo, de separação.

Mecanicamente, o ritmo do Blues absorveu a pulsação do trem sobre os trilhos. O shuffle, aquele balanço rítmico tão característico do gênero, ecoa o som das locomotivas. Para o músico, o trem forneceu um novo metrônomo: a velocidade da migração. O Blues é a trilha sonora da Diáspora Negra, o registro sonoro de milhões de pessoas fugindo da segregação do Sul (leis Jim Crow) em busca de trabalho nas fábricas do Norte.

3. O Materialismo do Som (Tinhorão e a Realidade)

José Ramos Tinhorão, um dos mais combativos historiadores da música brasileira, defendia que a arte é fruto das condições materiais. Se aplicarmos seu olhar ao Blues, veremos que o som "sujo" e "rasgado" não foi uma escolha estética intelectualizada; foi o resultado de instrumentos precários, de gargantas gastas pelo trabalho pesado e de um ambiente acústico hostil.

O Blues é o testemunho da luta pela vida. Quando o intérprete canta sobre a falta de dinheiro, o desemprego ou o amor perdido, ele não está apenas usando clichês; ele está documentando a precariedade da existência. O materialismo histórico aqui é simples: as condições de vida ditam as condições do canto. A dor do Blues é real porque a fome e a opressão eram reais.

4. A Dignidade através da Arte

Apesar de nascer na escassez, o Blues é um exercício de abundância espiritual. Ao transformar o sofrimento em uma estrutura estética (os doze compassos, as Blue Notes, o grito), o bluesman reivindica sua humanidade. Ele deixa de ser apenas uma "mão de obra" para se tornar um narrador de sua própria história.

Para nós, hoje, estudar o Blues é honrar essa trajetória. É compreender que cada nota flexionada no instrumento carrega o peso dessa diáspora e a força de quem se recusou a ser silenciado pelo chão da história.

 

CAPÍTULO 6

A Sombra e o Espelho: Uma Jornada Junguiana pelo Lamento

Até aqui, vimos o Blues como uma resposta a pressões externas: a segregação, a pobreza, a migração. Mas existe uma dimensão do Blues que é puramente interna, um diálogo que o intérprete trava consigo mesmo no escuro do seu quarto ou no centro de um palco iluminado. Para compreender essa força, precisamos da ajuda de Carl Jung e do seu conceito de Sombra.

Para o estudante de música e para o artista, este capítulo é o mais transformador. Ele explica por que o Blues não é apenas uma música "triste", mas uma ferramenta potente de integração psíquica e transcendência.

1. O Que é a Sombra?

Jung definia a "Sombra" como tudo aquilo que negamos em nós mesmos. São as nossas dores, os nossos desejos inconfessáveis, os nossos medos, o nosso luto e as nossas fraquezas. A sociedade moderna nos treina para esconder a Sombra, para exibirmos apenas o lado brilhante, funcional e "feliz" da nossa personalidade.

O problema é que tudo o que é negado ganha força no inconsciente. Quando o Blues entra em cena, ele faz o oposto da etiqueta social: ele convida a Sombra para tomar um café. Ele dá nome à dor, dá ritmo ao desespero e dá melodia à perda. O Blues é o espelho onde a Sombra se reconhece.

2. O Cantor como Mediador

No Blues, o cantor não está apenas executando notas; ele está operando como um mediador entre o mundo consciente (o Ego) e as profundezas do inconsciente coletivo. Ao cantar sobre a traição, a falta de esperança ou a solidão absoluta, o artista está trazendo esses elementos da escuridão para a luz da consciência.

Isso explica por que o Blues é tão visceral. Ele não usa eufemismos. Se a vida está difícil, o Blues diz que está difícil. Ao expressar a Sombra através do "grito arquitetado" que discutimos no início deste livro, o cantor impede que essa dor o devore por dentro. Ele a transforma em objeto estético, algo que pode ser ouvido, compartilhado e, finalmente, integrado.

3. A Catarse e o Alívio

Existe uma ideia equivocada de que ouvir Blues nos deixa para baixo. Pelo contrário. Quem realmente entende o gênero sabe que a experiência é de catarse.

Ao testemunharmos a Sombra de outra pessoa sendo expressa com tamanha coragem e honestidade técnica (através das blue notes e dos ornamentos), sentimos que a nossa própria dor foi validada. Há um alívio profundo em perceber que não estamos sozinhos no "vale das sombras". O Blues transforma o sofrimento individual em uma experiência universal. Ele nos lembra que o sofrimento faz parte da totalidade do ser humano.

4. A Transcendência pelo Som

O objetivo final do Blues, sob a ótica junguiana, é a individuação: o processo de tornar-se um ser humano completo, aceitando tanto a luz quanto a escuridão.

Cantar o Blues é um ato de bravura psicológica. É olhar para o abismo e, em vez de recuar, cantar para ele. Quando o músico domina a técnica de transmutar o seu lamento em beleza, ele atinge a transcendência. A dor não desaparece, mas ela é ressignificada. Ela deixa de ser um peso morto para se tornar a matéria-prima de uma obra de arte.

O Blues, portanto, é a terapia dos despossuídos, a psicologia de quem não tem divã, mas tem uma voz e uma verdade para contar.

 

EPÍLOGO

A Permanência do Inacabado

Ao longo destas páginas, tentamos dissecar o que chamamos de "arquitetura do grito". Vimos que o Blues não é um erro de percurso da música ocidental, mas sim uma de suas manifestações mais honestas e sofisticadas. Para o estudante de música que nos acompanhou, o maior legado deste livro não deve ser uma lista de regras a seguir, mas sim a coragem de abraçar a imperfeição como um valor estético.

O Blues ensina-nos que a arte não precisa de estar "pronta" para ser completa. Como discutimos ao evocar Walter Benjamin e a sua noção de aura, o Blues resiste a tornar-se um produto final apaziguado. Ele é uma música de processo, de busca e de tensão constante. É, por definição, o som do inacabado.

O Eco do Humano na Era Digital

Vivemos num tempo de algoritmos, de vozes processadas por autotune e de ritmos milimetricamente quantizados. Nesse cenário, o Blues assume um papel quase revolucionário. Ele lembra-nos de que o som deve ser o receptáculo da presença humana e da história vivida.

Quando um músico aplica um bend que hesita em chegar à nota, ou quando um cantor permite que a sua voz rache num momento de intensidade, ele está a assinar um contrato de honestidade com o ouvinte. Ele está a dizer: "Eu sou de carne e osso, e este som carrega o peso da minha existência". Esta é a permanência do Blues: enquanto houver alguém a sentir a pressão da vida e a necessidade de a transformar em beleza, o Blues terá uma razão para existir.

O Convite ao Teu Próprio Grito

Estudantes e entusiastas da cultura, o Blues é um território aberto. Ele absorve a história de quem o toca. As teorias de Jung sobre a Sombra ou o olhar materialista de Tinhorão e Hobsbawm servem para nos mostrar que a música está ligada a algo muito maior do que as notas no papel. Ela está ligada à nossa sobrevivência psíquica e social.

Não procurem no Blues a perfeição técnica de um museu. Procurem a vibração que faz o peito apertar. Procurem a nota que não se resolve, o timbre que conta uma história e o ritmo que ecoa o pulsar do coração e o trilho do comboio.

Essa reflexão encerra-se aqui, mas o som não se fecha. O ciclo da dor e da transcendência continua em cada acorde de sétima, em cada lamento sussurrado ao microfone e em cada brado de resistência. O Blues é o testemunho de que a nossa voz, por mais ferida que esteja, é capaz de construir catedrais de som a partir de um simples grito.

O palco agora é vosso. Encontrem a vossa própria arquitetura. Deixem que o grito se transforme em arte.